ensemble mosaik

RE-READING THE CENTURIES

PROGRAMM
Mathias SPAHLINGER (1944): adieu m’amour – hommage à guillaume dufay (1982/83)
for violin and cello – 16 min

Patricia ALESSANDRINI (1970): Hommage à Purcell (2010)
for clarinet, violin, cello, piano and electronics – 6 min

Patricia ALESSANDRINI (1970): Trio (d’après Schoenberg) (2004)
for clarinet, cello, piano, live electronics – 7 min

Manuel RODRIGUEZ VALENZUELA (1980): 64 daily self-portraits / micro-variations on a motif of
Brahms (2016/17) for violin, viola, cello and piano – 12 min

Sara GLOJNARIC (1991): SUGARCOATING #2 (2017)
for clarinet, cello and piano – 12 min

ENSEMBLE MOSAIK
Christian Vogel – Klarinette
Ernst Surberg – Klavier
Chatschatur Kanajan – Violine
Karen Lorenz – Viola
Niklas Seidl – Cello

PROGRAMMBESCHREIBUNG
Die für dieses Konzert ausgewählten Werke beziehen sich allesamt auf epochale Figuren der
Musikgeschichte: Guillaume Dufay (15. Jh.), Henry Purcell (17. Jh.) und Johannes Brahms (19.
Jh.). Hommagen von Patricia Alessandrini und Mathias Spahlinger stehen neben Werken von
Manuel Rodriguez Valenzuela, der zu seiner Vorlage 64 Variationen schreibt, und Sara Glojnaric,
die sich auf Grundlage der Daten des Million Songs Dataset auf aktuelle Popmusik bezieht.
So sehr sich die Komponist*innen dieses Abends der abendländischen Musiktradition verbunden
fühlen, so wenig nostalgisch oder rückwärtsgewandt klingen ihre Werke. Vielmehr nehmen sie alle
eine sehr persönliche, ganz und gar zeitgemäße Perspektive ein, um der Historie anhand ihrer
aktuellen und experimentellen Arbeitsweisen neue musikalische Facetten zu entlocken.

LINKS
ensemble mosaik
http://www.ensemble-mosaik.de
Mathias Spahlinger (1944): adieu m’amour – hommage à guillaume dufay (1982/83)

Patricia Alessandrini (1970): Hommage à Purcell (2010)

Patricia Alessandrini (1970): Trio (d’après Schoenberg) (2004)
https://patriciaalessandrini.net/trio-daprs-schoenberg
Manuel Rodriguez Valenzuela (1980): 64 daily self-portraits / micro-variations on a motif of Brahms (2016/17)
http://www.manuel-rodriguez.com/works/64/
Sara Glojnaric (1991): sugarcoating#2 (2017)
www.saraglojnaric.com/work/sugarcoating-2-for-piano-clarinet-and-cello/

WERKKOMMENTARE
Mathias Spahlinger (1944): adieu m’amour – hommage à guillaume dufay (1982/83) for violin
and cello – 15 min
„adieu m’amour”: liebe als abschied von der liebe, die zu besitzen vermeint: vom willen, der
fremdes eigenleben sich gleichmacht; von einer tradition, die als sich entfernende schmerzlich
erfahren wird.
auf weit heruntergestimmten darmsaiten, die an sich schon einen besonders sensiblen
bogenstrich erfordern, kommen in großer zahl ungewöhnliche spieltechniken zur anwendung
(bogenstrich oberhalb der griffhand – mehrklänge durch streichen im schwingungsknoten – der mit
etwas überhöhtem bogendruck tangierte teil der saite wird zum erklingen gebracht – eine
erweiterte “fawsett”-flageolett-technik, die eine genaue und gleichbleibende bogenführung an
ganz bestimmten stellen der saite erfordert usw., spieltechniken, die allesamt sehr empfindlich
sind), in dem bestreben, die durch lange übung und beherrschung der gewöhnlichen spielarten
ins unbewusste abgesunkene leistung der dialektischen bewegung zwischen sensibler
aufmerksamkeit und die akustisch-mechanischen eigenschaften des instruments und aktiver/
reaktiver anpassung des spielers wieder fürs bewusstsein zu aktualisieren: die fähigkeit, fremdvertrautes
nach eigenem gesetz leben zu lassen, zum eigenen willen in “immer freiern und
innigern zusammenhang” (hölderlin) zu bringen. vereinzelte töne ziehen, durch den großen
spieltechnischen aufwand und die umständliche rücksicht, mit der sie vorgetragen werden, die
ganze aufmerksamkeit auf sich, lösen sich mit sanfter eigenmächtigkeit aus ihrem übergeordneten
zusammenhang (dufays “adieu m’amour”), wie die liebe ihre vernunft darin hat, überm
individuellen die forderung der vernunft, die aufs allgemeine aus ist, zu vergessen; sie
signalisieren zugleich zerstückelung, teilung, trennung und sind gemeint als verbeugung vor einer
geliebten tradition, an die wir nicht heranreichen, die sich dem besitzerischen zugriff entzieht, sich
nicht rekonstruieren lässt.
(Mathias Spahlinger)

Patricia Alessandrini (1970): Hommage à Purcell (2010) for clarinet, violin, cello, piano and
electronics – 6 min
Hommage à Purcell is my second ‘(re-)reading’ of the Music for the Funeral of Queen Mary by
Henry Purcell, taking it out of its most commonly-known historical context: the solemnity of a
royal funeral for a benefactor of Purcell. Part of this music was in fact composed prior to this
occasion, for the play The Libertine of Thomas Shadwell, known for its macabre humour. This
same music was employed in a similar manner by Stanley Kubrick in Clockwork Orange in a
synthesised arrangement by Wendy Carlos.
This ‘re-reading’ integrates the text set by Purcell into the instrumental material through the
intervention of the electronics, this time transducing the electronics through the instruments. The
original text consists of the Anglican funeral rite, derived from the book of Job, an episode of the
Bible of an extreme violence and suffering. The quotation of Job was eliminated from the official
liturgy of the English Church in 1965, a sign of modern discomfiture in the face of suffering.

Patricia Alessandrini (1970): Trio (d’après Schoenberg) (2004) for clarinet, cello, piano, live
electronics – 7 min
As in many of my recent works, this Trio is a “reading” of an existing work, in this case of the
String Trio of Arnold Schoenberg. In the context of the circumstances under which the work was
composed (Schoenberg describes his experience of being clinically dead and returning to life), I
considered the Trio, with its disturbing, even violent passages, as an exorcism of fear. From a
compositional point of view, this Trio shares a number of elements with its model: extended
techniques often involving the use of noise, an almost eclectic diversity of materials within a
rigorous global structure, and sharp contrasts of register, all within a compressed version of the
original form: three movements with two interludes, played in continuity. In this contemplation of
the original work, every gesture has its resonance: the natural resonance of the piano is enhanced
by the amplification and the use of the sostenuto pedal, the clarinet plays over the strings of the
piano in order to create a sympathetic resonance, and an artificial resonance is created by the
electronics, creating the illusion of sympathetic strings of the violoncello.

Manuel Rodríguez Valenzuela (1980): 64 daily self-portraits / micro-variations on a motif of
Brahms (2016/17) for violin, viola, cello and piano – 12 min
This piece is a study on the idea of sincerity in the artistic creation. Composing a piece of music is
a long term process (it takes weeks/months), and during this period of time one may change his
ideas several times, each day and each moment of a day one is a little bit different, and what
something appears to be one day perfect, honest and correct, another day seems to be the
opposite, and this is something that usually creates some frustration during the creative process.
To avoid this I decided to compose a small variation every day of the last 2 months. Each of these
variations had to be the most honest and consequent as possible with the same moment of
composing, and had to be representative and respectful with the thoughts, experiences and
sensations I had during each one of these days or moments, becoming as a kind of personal diary
annotations or as daily self-portraits. Sometimes I tried to experiment composing under some
especial conditions. In the final piece all these variations are not organized chronologically, but put
together in a way to create a more musical narrative. In every different performance of the piece
I’ll organize them in a different way, to show all these small “truths” from different angles and to be
more consequent with the general idea. All these variations are based on a very short motive of
Brahms (end of the Andante of his piano quartet No 3). The election of this motive is mainly
personal, but also because of its own nature, it’s placed in between two silences, and I take these
silences as a representation of the space/time separation in between each of the variations.
(Manuel Rodríguez Valenzuela)

Sara Glojnaric (1985): sugarcoating #2 (2017) for clarinet, cello and piano – 12 min
»sugarcoating #2« is the second piece in the sugarcoating series, which was initially based on readapting
major sound fetishes in pop-music, based on data provided by Million Songs Dataset, a
freely-available collection of audio features and metadata for a million contemporary popular
music tracks. If observed from a purely parametrical perspective, those are: reduction and
homogenization of pitch and texture, increase in loudness, repetition (loop) and an additional one,
which happens to be a by product of other parameters, and that is – density. Density is, in this
case, transferred back to the musician(s) by pushing their concentration to the limit by
“overwhelming” them with information and micromechanics of perfection. sugarcoating #2 takes a
step toward examining the properties of digital information, which can be summed up in 5 terms:
synchronization, formal language, errors, copying, granularity and compression.

BIO ensemble mosaik
Die künstlerische Arbeit des ensemble mosaik baut auf die Kontinuität seiner musikalischen
Gemeinschaft, auf forschende Kreativität, Networking, Kollaborationen mit Künstler*innen aller
Sparten, anderen Ensembles und mit Veranstaltern, auf interkulturellen Austausch als Reflexion
und Inspiration globaler künstlerischer Anliegen.
Das ensemble mosaik hat sich seit seiner Gründung 1997 als besonders vielseitige und
experimentierfreudige Formation zu einem renommierten Ensemble für zeitgenössische Musik
entwickelt. Seine Mitglieder zeichnen sich durch ihre instrumentalen Fähigkeiten wie auch durch
ihre kreative Individualität aus. In langjähriger Zusammenarbeit haben sie einen profilierten
Klangkörper geschaffen, der auf höchstem künstlerischen Niveau Offenheit gegenüber
verschiedensten Konzeptionen zeitgenössischer Musik beweist.
Die Aktivitäten des Ensembles sind geprägt von der engen Zusammenarbeit mit
Nachwuchskomponist*innen und der Einbindung digitaler Medien in den Bereichen Komposition,
Interpretation und Präsentation. Bevorzugt wird eine egalitäre Arbeitsweise im Austausch mit allen
an einem Konzertprojekt beteiligten Akteur*innen. Durch die Öffnung von Arbeitsprozessen wird
Kreativität gebündelt und intensiviert. Mit vielen Komponist*innen arbeitet das ensemble mosaik
seit Jahren kontinuierlich zusammen und ermöglicht so, Musik über lange Zeiträume hinweg in
einem gemeinschaftlichen Prozess zu entwickeln

Komponisten-Biographien:
Patricia Alessandrini’s works actively engage with the concert music repertoire, and issues of
representation, interpretation, perception and memory, often in the context of social and political
issues. These works are often multimedia, theatrical, and collaborative, involving live electronics,
resonating objects, and interactive video She studied composition and electronics at the
Conservatorio di Bologna, Conservatoire de Strasbourg, and IRCAM, and holds two PhDs, from
Princeton University and the Sonic Arts Research Centre (SARC) respectively. Her principal
composition teachers were Ivan Fedele, Paul Koonce, Tristan Murail, and Thea Musgrave. She
previously taught at the Accademia Musicale Pescarese and Bangor University, and is currently a
part-time Lecturer in Sonic Arts at Goldsmiths.

Manuel Rodríguez-Valenzuela (*1980 in Valencia, Spanien) studierte Komposition in Barcelona,
Helsinki und Aarhus und nahm an Meisterkursen in zahlreichen Ländern teil. Heute lebt er in
Potsdam. Rodríguez-Valenzuela fühlt sich wohl in der Vielfalt, im Wechsel zwischen zuweilen
extrem unterschiedlichen Kompositionstechniken, Instrumentierunsmöglichkeiten, Objekten und
Medien. Er genießt es zudem, Chaos zu unerwarteten Kombinationen zu ordnen. Derzeit setzt er
sich auseinander mit Intertextualität, der Re-Interpretation von Werken aus der Vergangenheit
sowie seiner persönlichen Auffassung von Aufrichtigkeit im Kompositionsprozess.

Sara Glojnarić is a Croatian composer based in Leipzig, Germany.
Her artistic practice explores pop culture, including its aesthetics, socio-political impact, collective
memory, nostalgia and the intricate web of pop cultural data and their interactions.
Sara’s extensive body of work spans across various mediums, encompassing opera, orchestral
compositions, chamber music pieces, video, as well as immersive multimedia and multi-sensory
installations. Her pieces have been premiered by renowned contemporary music ensembles, such
as Ensemble Musikfabrik, Klangforum Wien, Münchener Kammerorchester, RSO Wien & Marin
Alsop, Trio Catch, Ensemble Recherche, Ensemble Mosaik, Ensemble Modern, Neue
Vocalsolisten Stuttgart, Sarah Maria Sun, collective lovemusic, and ensemble handwerk, among
many others. Her music has been performed at festivals including the ECLAT Festival Stuttgart,
Wien Modern, Huddersfield Contemporary Music Festival, Ultraschall Festival Berlin, Wittener
Tage für neue Kammermusik, Warsaw Autumn, and Music Biennale Zagreb.
She studied composition at the Academy of Music in Zagreb, under Dr. Davorin Kempf, and later
earned her Bachelor’s and Master’s degrees in composition at the State University of Music and
Performing Arts Stuttgart, studying in the class of Martin Schüttler.
Throughout her career, Sara has garnered a multitude of international accolades, prizes, and
artistic residencies. These include the prestigious Ernst von Siemens Förderpreis 2023, alongside
the Erste Bank Kompositionspreis Wien, the Kranichsteiner Musikpreis at the Darmstädter
Ferienkurse 2018, the Ivo Vuljević Prize 2019 awarded by Jeunesse Musicales Croatie, the
Deutsche Oper Berlin’s NEUE SZENEN V composition competition, and an artistic residency with
Ensemble Mosaik through the Progetto Positano project.
Her video-opera “Im Stein” (based on a book by Clemens Meyer and directed by Michael von zür
Mühlen), earned a nomination for the FAUST Preis in the “Ton und Medien” category.
She has been a fellow of the Kunststiftung Baden-Württemberg since 2019. Her works are
published by Edition Juliane Klein.

mathias spahlinger wurde 1944 in frankfurt am main geboren. sein vater war violoncellist. ab
1951 unterrichtete ihn sein vater in fidel, gambe, blockflöte und später violoncello. ab 1952 bekam
er klavierunterricht. 1959 begann er sich intensiv mit dem jazz zu beschäftigen, nahm
saxophonunterricht und wollte jazzmusiker werden. 1962 verließ er die schule und machte bis
1965 eine schriftsetzerlehre. während der lehre nahm er privat kompositions-unterricht bei konrad
lechner. nach beendeter lehre setzte er sein studium bei lechner an der städtischen akademie für
tonkunst in darmstadt fort (klavier bei werner hoppstock). 1968 wurde er lehrer an der stuttgarter
musikschule für klavier, theorie, musikalische früherziehung und experimentelle musik. von
1973-1977 studierte er komposition bei erhard karkoschka an der staatlichen hochschule für
musik und darstellende kunst stuttgart. 1978 wurde er gastdozent für musiktheorie an der
hochschule der künste in berlin, 1984 professor für komposition und musiktheorie an der
staatlichen hochschule für musik karlsruhe. ab 1990 war er professor für komposition und leiter
der instituts für neue musik an der staatlichen hochschule für musik freiburg. er lebt seit 2009 in
potsdam.

 

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